Lara Fabian Interview

Avec son nouvel album, « Toutes les femmes en moi », Lara Fabian nous offre un témoignage poignant de son admiration pour des artistes féminines qui ont marquées sa vie !

Quel a été le point de départ, le déclencheur de cet album ?
Une question très simple posée par ma meilleure amie, un soir tout simple où on s’échange quelques pates, deux ou trois verres de vin. Elle me dit « Comment devient-on ce qu’on est dans la vie ? Comment tu crois qu’on arrive enfin à accepter qu’on est parfaitement imparfait, qu’on a nos limites. Qui nous accompagne ? ». Je lui ai demandé pourquoi elle me posait cette question. Elle me dit : « En vieillissant, c’est comme si tu avais accepté certaines fragilités et limites, et je me demandais comment un jour tu lâches sur une foule de choses pour être juste qui tu es, pas ce que tu as envie de devenir, ou parce que tu ne supportes pas ce que tu as pu être, juste ce que tu es ». Je lui ai dit que ce sont les femmes de ma vie qui ont tout changé, elle par exemple, ma mère, ma grand-mère. J’ai vu des femmes plus connues qui ont traversé ma vie à différentes périodes de ma vie et qui ont joué un rôle déterminant, qui m’ont faite. Je peux vraiment dire ça. Ça part de là.

C’est un hommage quasi religieux !
C’est une révérence. Un hommage, un album qui raconte sans vraiment parler de mes chansons mon histoire. Je ne suis que l’instrument qui sert à restituer à ma façon des chansons qui sont des monuments, qui sont dans la mémoire collective.

Chaque chanson correspond à une circonstance de votre vie ?
Très précise, oui. C’est pour ça que j’ai écrit des lettres. Ce choix peut paraitre un peu étrange, il est très éclectique. Il y a des femmes de tous les horizons, avec des univers musicaux très différents, des personnes très différentes. Pour moi, il y avait un vrai fil rouge, un vrai lien. Au-delà des éléments que j’ai connotés, qui peuvent être assis à un moment, une époque de ma vie, pour moi, elles ont toutes un point commun, cette volonté de ne jamais entrer dans le compromis, d’être ce qu’elles sont vraiment.

Vous avez fait un ordre chronologique quelque part pour cet album ?
C’est vrai, je n’avais pas réfléchi à ça. Racontez-moi ?

C’est plutôt à vous de me dire comment vous avez accroché. J’avais l’impression qu’il y avait une histoire qui se tisse au fur et à mesure.
C’est vrai. Chronologiquement, « Mamy Blue » aurait du ouvrir l’album, c’est la première chanson que je chante, je ne me souviens pas, j’ai 18 mois. C’est ma maman qui me raconte qu’elle m’avait assise sur la table de la cuisine et pendant qu’elle me séparait la tête en deux parties parfaitement égales, il parait que je me suis mise à chanter « Mamy Blue ». J’avais 18 mois, je ne m’en souviens pas. Ensuite, Nana arrive quand j’avais 7-8 ans, un concert très important aux Beaux Arts, où mes parents m’y emmènent. Un soir mon père rentre heureux et vaillant avec trois billets en disant « ça y est, on va voir Nana ». Un moment très précis s’est passé, que j’explique dans cette lettre que je lui envoie. Je lui explique que non seulement c’était mon premier concert, la voix que j’écoutais à déclencher la joie du chant et l’envie de chanter, ma première inspiration d’enfant. En plus, je m’approche de la scène au mauvais moment, elle a déjà commencé sa chanson, personne ne devrait l’interrompre. Elle interrompt sa chanson, me soulève du sol, me prend sur scène et m’embrasse et prend mes fleurs. Je vous jure que c’est tellement vivant dans ma mémoire que je pourrais vous dire de quelle couleur était mes chaussures, tant je m’en souviens.

Elles sont dispersées dans l’album ?
Je n’ai pas bâti cet album sur la chronologie de ce qui s’est produit dans ma vie, je l’ai construit autour d’une harmonie musicale. Je voulais que ça soit un voyage en musique avant toute chose. Après le récit sera pour mon plaisir de le raconter sur scène, que je vais bâtir de manière plus théâtrale que pour le chant, pour raconter cette histoire.

Toutes ces femmes ont des personnalités différentes. Soit elles écrivent soit elles composent, mais ce sont surtout des interprètes totalement différentes. Françoise Hardy, par rapport à Céline Dion ou Dalida… Ces femmes, quel est leur point commun ?
Pour moi, le point commun de toutes ces femmes, c’est l’authenticité, le fait de n’avoir jamais joué le jeu d’être autre chose que ce qu’elles sont. Elles défendaient leur point de vue, peu importe les circonstances, qu’elles soient décriées ou adorées, des femmes comme Véronique Sanson, particulièrement une femme comme Dalida. Quand elle est arrivée, on ne s’attendait pas à ces paillettes, ce côté hollywoodien, le fait qu’une femme puisse sublimer ce dont on en attendait. Elle est allée au-delà, elle s’est habillée en or et en paillettes, elle a dansé comme peu de femmes le faisaient avant elle, entourée d’hommes magnifiques. Elle a beaucoup changé le visage de la variété française. Je dis « variété » au sens le plus noble du terme, puisque qu’étymologiquement cela veut dire multiplicité, diversité. C’est en ça qu’elles sont uniques et qu’à mon avis elles ont toutes un point commun, cette volonté de n’être que ce qu’elles sont, peu importe ce que qui que ce soit en pense.

Il y a celles qu’on idolâtre, on peut parler de Dalida, et celles qui sont très proches du public.
Françoise Hardy est pour moi très proche. Sinon qui d’autre ?

On a Véronique Sanson, qui a une proximité comme ça, un univers. Elle véhicule une chanson à la fois dans sa tête, elle est perchée.
Pour moi elle est la quintessence de l’inspiration en tant qu’auteur-compositeur. C’est vraiment elle qui m’a appris à écrire mes premières chansons. C’est quand je l’ai vue à cheval sur son piano, comme une amazone, que j’ai eu envie moi aussi de dépasser mes limites et d’essayer d’écrire des chansons. J’avais toujours en moi cette foule de silences, de petites blessures, de casseroles qu’un artiste traine, qui font que j’avais envie d’écrire, mais elle fait partie de ceux qui m’ont permis d’oser.

Il y a celles que vous avez rencontrées, et celles qu’on aurait aimé rencontrer. C’est un fantasme toujours présent ?
Peut être, en même temps je n’ai pas l’impression que dans le fantasme il y ait une volonté de magnifier les choses. Quand on parle de quelqu’un comme Barbara ou comme Edith Piaf, l’oeuvre parle d’elle même. Je suis certaine que ça doit même être bien en dessous. L’humanité de ces deux femmes, le legs extraordinaire. Elles doivent être bien en dessus de ce qu’on en dit. Humainement, elles doivent être bien au-delà.

C’est quasi religieux. Quand on prend « L’Hymne à l’amour », avec ce côté gospel, il y a de ça ?
Oui, pourquoi j’ai pris de la musique noire, gospel, Rythm&Blues ? Parce que c’est l’origine de la musique dans la souffrance. C’est une musique qui traduit la souffrance mieux que n’importe quoi. C’est le gospel. Cette musique est issue d’un cri de désespoir, d’une volonté de se rassurer, de se bercer un peu au travers d’un destin extrêmement difficile. Si Edith Piaf vivait aujourd’hui, elle chanterait du Rythm&Blues. Elle chanterait de la soul, du gospel parce que c’est la musique qui transcende le mieux la souffrance, et que c’était une femme faite de souffrance. Je pense que c’était son moteur d’ailleurs.

Est-ce que ces chansons n’ont pas justement le point commun le fait qu’il faut avoir vécu pour les interpréter ? Il n’y a pas de ça ?
C’est peut être à l’aube de mes 40 ans, en ayant vécu un certain nombre de choses, que je peux avoir le sentiment de les restituer avec une part de mon histoire à moi, même si cet album c’est Lara Crokaert qui l’a fait, et non pas celle que vous connaissez et qui a la carrière qu’elle a, quelle qu’elle soit. C’est l’enfant, la jeune femme ou l’ado qui regardent ces femmes comme étant les prêtresses qui lui ont donné envie. Pour moi c’est ça. Quand j’ai compilé cette liste de femmes et de chansons, j’ai voulu me souvenir « Qu’est-ce qui m’a donné envie de faire ce métier, d’écrire ma première chanson, j’ai versé des larmes, j’ai voulu continuer malgré tout ». Je trouvais l’inspiration même à bout de force. Elles sont ça. C’est un grand merci en réalité.

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